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Die vorhergehenden Ausstellungen

2010
Die Rückkehr des Malers und Bildhauers Ludwig Gabriel Schrieber ins Rheinland	Überblick 2010

2009
Jankel Adler Im Exil	Von Angesicht zu Angesicht	Überblick 2009	Mit Kunstverstand und Leidenschaft Eine rheinische Privatsammlung

2008
Gerd Arntz im Kreise von Freunden und Kollegen	Gottfried Brockmann	Überblick 2008	Die fantastische Welt der Hannah Höch

2007
Großes Ey wir loben dich	Wilhelm Rudolph	Überblick 2007

2006
Walter Gramatté	Körper − Körper − Körper	Carl Barth	Gottfried Brockmann

2005
25 Jahre Remmert und Barth	Walter Gramatté

2004
Radierungen	Die Neue Sachlichkeit

Die Rückkehr des Malers und Bildhauers

LUDWIG GABRIEL SCHRIEBER

ins Rheinland

8. Juni bis 14. August 2010

		Ludwig Gabriel Schrieber in Wylerberg, 1938

KATALOG-PROSPEKT
16 Seiten, 26 Abbildungen, davon 25 in Farbe,
Format 22 x 12 cm (2010)
Bestell-Nr. 1044
Euro 2,−−

Im Jahre 1950 erhalten zwei Künstlerfreunde den Cornelius−Preis der Stadt Düsseldorf: Bruno Goller für Malerei, Ludwig Gabriel Schrieber für Bildhauerei. Während Goller weiterhin in Düsseldorf lebt und arbeitet, folgt Schrieber einem Ruf an die Berliner Hochschule der Künste und entschwindet damit dem interessierten Blick der rheinischen Kunstszene. Mit unserer Ausstellung kehrt Ludwig Gabriel Schrieber in seine Heimatstadt Düsseldorf zurück − mit Skulpturen, Gemälden und Aquarellen.

	Christus (Hoher Priester) 1945/46 Lindenholz (Kat.−Nr. 3)
	Prozession 1948 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 16)

	Vier Bäume vor Häusern 1948 Aquarell (Kat.−Nr. 23)
	Stehende 1946 Bronze (Kat.−Nr. 4)

	Biographische Daten
1907	Am 24. April wird L.G. Schrieber in Waldniel am Niederrhein als Sohn eines Braumeisters und dessen streng katholischer Ehefrau geboren.
1914	Die Familie zieht nach Düsseldorf. Sohn Ludwig besucht die Realschule.
1923	Schrieber tritt eine Lehre als Ziseleur an − erster Hinweis auf das spätere bildhauerische Interesse.
1924	Wechsel an die Kunstakademie Düsseldorf, wo er bei Jan Thorn-Prikker Malerei studiert, ab 1926 bei dessen Nachfolger Heinrich Campendonk.
1925	Erste Ausstellung mit der Künstlervereinigung "Das junge Rheinland", später auch mit der "Rheingruppe" und der "Rheinischen Sezession". Akademiedirektor Kaesbach vermittelt ihm ein Meisterschüleratelier im "Hungerturm".
1930	Schrieber verläßt die Akademie und lebt bis 1940 als freier Maler in Düsseldorf.
1932	Letzte Ausstellungsbeteiligung vor der NS−Zeit beim Deutschen Künstlerbund.
1933	und in den Folgejahren bis 1940 lebt Schrieber zurückgezogen in Düsseldorf. Er trifft sich regelmäßig mit gleichgesinnten Künstlerfreunden wie Bruno Goller, Günter Grote, Ferdinand Macketanz und anderen in der Gaststätte "Chronometer" in der Düsseldorfer Altstadt zum künstlerischen und politischen Disput, wobei Schrieber für seine handgreifliche und zupackende Argumentation berühmt und berüchtigt ist. Seinen Lebensunterhalt verdient er durch private Aufträge für Schmuckgestaltung und Glasfenster.
1937	Ausstellungsmöglichkeit in der Galerie Stuckert in Düsseldorf (und 1942 in der Galerie Günther Franke in München).
1940	Schrieber heiratet seine erste Frau Hildegard und wird im Oktober zum Militär eingezogen. Als Soldat gelangt er über Belgien und Frankreich nach Griechenland, wo er sich mit der antiken Plastik auseinandersetzt.
1941	Geburt der Tochter Hille in Düsseldorf. Schrieber wird an die Front nach Finnland versetzt. Im Lazarett in Kirkenes (Norwegen) schnitzt er seine erste Skulptur aus einem Gewehrkolben. In den Jahren 1940−45, Schriebers Militärzeit, entstehen Zeichnungen und Aquarelle. Sein Atelier in Düsseldorf wird durch Bomben zerstört.
1945	Schrieber kommt in englische Kriegsgefangenschaft. Als "white prisoner" im Lager Ascot widmet er sich der Aquarellmalerei.

	Paar (eng umschlungen) 1949 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 19)
	Kleine Schreitende 1941 Bronze (Kat.−Nr. 1)

	Stehende (mit verschränkten Händen) 1951 Bronze (Kat.−Nr. 7)
	Häuser am Bodensee 1949 Aquarell (Kat.−Nr. 25)

1946	Schrieber kehrt nach Düsseldorf zurück und beweist seine erstaunliche Doppel−Begabung als Maler und Bildhauer. Als Mitglied der wiedergegründeten "Rheinischen Sezession" stellt er von 1946−49 vornehmlich Gemälde und Aquarelle aus.
1949	Gründungsmitglied der "Neuen Rheinischen Sezession". "Der eigenwilligste (der das Ausstellungsbild bestimmenden Gruppe) ist Bruno Goller, die Führung der Gruppe liegt zweifellos bei L. G. Schrieber, der sich auch so reiche Talente wie Grote, Tenhold, Stuckert und Hoffacker nicht ganz entziehen können." (Anna Klapheck 1950) Erstmalig stellt Schrieber auch Skulpturen aus − im Studio Rasch in Wuppertal und in der Galerie Vömel in Düsseldorf . Das Kölner Wallraff−Richard−Museum erwirbt die Skulptur "Hockende", das Land NRW drei Gemälde.
1950	Schrieber erhält den Corneliuspreis der Stadt Düsseldorf − für Bildhauerei (den Preis für Malerei erhält sein Kollege und Freund Bruno Goller). Er lernt in Düsseldorf Brigitta Petersen kennen − seine künftige Lebensgefährtin.
1951	Schrieber erhält eine Berufung an die Berliner Hochschule für bildende Künste (als Nachfolger von Waldemar Grzimek). Er siedelt nach Berlin über. Zunächst übernimmt er eine Bildhauerklasse, Anfang der 60er Jahre auch eine Klasse für Malerei. Er ist befreundet mit Günter Grass, Karl Hartung, Ernst Schumacher, Heinz Trökes und anderen.
1953	Geburt des Sohnes Simon (der ebenfalls Bildhauer wird).
1954	Tympanon und Kreuzweg für die Petrus−Canisius−Kirche in Berlin−Charlottenburg, 1957 Portal, Kreuzigungsgruppe und Taufbecken für die St.−Ansgar− Kirche in Berlin−Tiergarten.
1961	Retrospektive im Haus am Waldsee in Berlin, 1964 im Badischen Kunstverein Karlsruhe.
1966	Stellvertretender Direktor und 1968 Direktor der Hochschule für bildende Künste in Berlin.
1968	Ausstellung im Kunstverein Hannover.
1975	Verleihung des Bundesverdienstkreuzes. Am 16. April stirbt Ludwig Gabriel Schrieber auf einer Reise in Nesselwang im Allgäu. Retrospektive in der Orangerie des Schlosses Charlottenburg in Berlin. Die Kunsthalle Düsseldorf übernimmt die Ausstellung.

	Mädchenkopf 1951 Akazie (Kat.−Nr. 8)
	Niederrhein II1949 Aquarell (Kat.−Nr. 30)

Kürzlich starb mein Freund Ludwig Gabriel Schrieber. Ob er dem dummen Gips Form abgewann oder zur Scheibe Sellerie, auf dem Elektrokocher gebraten, Filets vom Räucherfisch legte und über alles Rühreier (für sich, für mich) kippte, ob er stumm hinterm Glas saß und mit dem kleinen Finger den Tropfen holte, um sich die Stirn zu kühlen, (...)
ob er im Zorn mit den Zähnen knirschte oder den unbehauenen Stein streichelte, Lud blieb immer eindeutig: ein Mann, Brocken, Stier, Täter, der Engel, in Sünde gefallen.

Günter Grass 1975, in: Der Butt

	Häuser an der holländischen Grenze 1949 Aquarell (Kat.−Nr. 24)
	Liegender Kopf 1950 Bronze (Kat.−Nr. 6)

	Kopf 1954 Linde (Kat.−Nr. 12)
	Festlicher Tag 1949 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 20)

	Kleines Spiegelbild 1952 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 21)
	Stehende 1952 Eiche (Kat.−Nr. 9)

Lud fehlt mir. Wie mir Lud fehlt!
Selbst im Streit... Selbst wenn wir uns mit den Fäusten...
Lud und ich waren anstrengend miteinander befreundet...
Günter Grass

	Berliner Straße I 1952 Aquarell (Kat.−Nr. 32)
	Kleiner Kirschbaum 1953 Aquarell (Kat.−Nr. 34)

	Gartentor 1950 Aquarell (Kat.−Nr. 29)
	Stehende (mit verschränkten Armen) 1952 Bronze (Kat.−Nr. 11)

	Figuren im Raum 1952 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 22)
	Garten (II) 1953 Aqaurell (Kat.−Nr. 36)

ÜBERBLICK 2010

Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen und Druckgraphik
des 20. Jahrhunderts

2. März bis 5. Mai 2010

Mit Werken von
Jankel Adler, Gerd Arntz, Carl Barth, Eduard Bargheer, Georg Baumgarten, Curt Beckmann,
Max Beckmann, Franz Bronstert, Gottfried Brockmann, Heinrich Campendonk, Otto Dix,
Max Ernst, Fritz Feigler, Conrad Felixmüller, Richard Gessner, Bruno Goller, Walter Gramatté,
George Grosz, Adolf de Haer, Lisa Hartlieb−Rilke, Erich Heckel, Heinrich Heckroth, Hannah Höch,
J.B.H. Hundt, Max Kaus, Edmund Kesting, Käthe Kollwitz, Paul Kühn, Curt Lahs, Otto Lange,
Paula Lauenstein, Carl Lohse, Marie von Malachowski−Nauen, Jeanne Mammen, Ewald Mataré,
Heinrich Nauen, Wolfgang Niederhagen, Walter Ophey, Otto Pankok, Robert Pudlich,
Christian Rohlfs, Wilhelm Rudolph, Fritz Schaefler, Karl Schmidt−Rottluff, Georg Schrimpf,
Karl Schwesig, Renée Sintenis, Zoltan Székessy, Max Thalmann, Adolf Uzarski
und Gert H. Wollheim

Kleinbildkatalog mit über 200 Abbildungen aller ausgestellten Werke und Preisen
Euro 3,−−

	EDUARD BARGHEER (1901−1979) Forio II 1957 Aquarell über Bleistift (Kat.−Nr. 20)
	MAX BECKMANN (1884−1950) Gähnende 1918 Radierung (Kat.−Nr. 29)

	HEINRICH CAMPENDONK (1889−1957) Fischteller und Weinflasche 1926 Holzschnitt (Kat.−Nr. 42)
	OTTO DIX (1891−1969) Contessa 1962 Farblithographie (Kat.−Nr. 49)

FRITZ FEIGLER
(1889−1948)
Stilleben mit Katze
um 1925
Öl auf Leinwand
(Kat.−Nr. 52)

Erinnerungen an die erste Überblickausstellung

Die Ausstellung, der dieses Kapitel gewidmet sein soll, trug den Titel "Überblick 1981/82", und im Untertitel des kleinen Kataloges lese ich: "300 Werke von 60 Künstlern". Dieser Untertitel bringt mein Blut sofort in Wallung, in Erinnerung an die Strapazen und Qualen, körperliche und seelische, die ich mit dieser Ausstellung durchgemacht habe. Dreihundert Werke, tatsächlich, wer kann ermessen, was das bedeutet, für eine kleine Galerie, deren Wände allenfalls sechzig Werke fassen? Dreihundert Werke, nicht in Mappen, nein, gerahmt, an den Wänden, das geht gar nicht, das ist unmöglich, das ist Wahnsinn. Genau, das ist Wahnsinn, aber das geht, das ist machbar, das haben wir gelernt, bei Meister Karsch in Berlin, in der Galerie Nierendorf.

P.B. (Aus den unveröffentlichten Galeriememoiren)

	WALTER GRAMATTÉ (1897−1929) Mädchen mit blauen Schuhen 1927 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 67)
	GEORGE GROSZ (1893−1959) Louise und Evelyn 1926 Bleistift (Kat.−Nr. 72)

	HANNAH HÖCH (1889−1978) Zeichen auf Rosa 1950 Fotomontage und Aquarell (Kat.−Nr. 97)
	MAX KAUS (1891−1977) Regenwolken 1923 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 112)

Alptraumartig ist mir der Beginn der Hängeaktion unserer ersten Überblicksausstellung überdeutlich vor dem Auge der Erinnerung: Ich sehe mich auf einem Graphikschrank stehen und versuchen mit nach oben gereckten Armen das erste Bild in der rechten oberen Ecke des Hauptraumes der Galerie unter der Decke zu befestigen.

P.B. (Aus den unveröffentlichten Galeriememoiren)

PAUL KÜHN
(1885−1981)
Rote Tulpen um 1920
Öl auf Leinwand
(Kat.−Nr. 122)

	CARL LOHSE (1895−1965) Ruhender Arbeiter um 1930 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 138)
	EDMUND KESTING (1892−1970) Pendel 1922 Aquarell (Kat.−Nr. 116)

	WOLFGANG NIEDERHAGEN (1933) Nächtlicher Strand* 1971 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 157)
	OTTO PANKOK (1893−1966) Beerdigungstag 1925 Radierung (Kat.−Nr. 167)

Und irgendwann hatte ich meine erste Fünferreihe fertig, einigermaßen gerade. Aber ich schwor mir bei der Seele meines Künstlervaters Carl und dem über den Wassern schwebenden Weltgeist meines Lehrmeisters Hegel, in Zukunft eine solch mörderische Überblicksausstellung zu verhindern. Es gelang mir nicht ganz. 1982 und 83 gab es keine Überblicksausstellung. Aber dann 1985: da begann der regelmäßige Rhythmus des jährlichen Überblicks. Jahr um Jahr wiederholte sich der Streß. Diese Ausstellung war Jahr um Jahr erfolgreich, bei den Kunden beliebt wegen der Vielfalt des Angebots und wegen der großen Spanne der Preise − von hundert Mark aufwärts − , und für uns war sie eine gute Gelegenheit, Werke anzubieten, die in keine monographische oder thematische Ausstellung paßten.

P.B. (Aus den unveröffentlichten Galeriememoiren)

	CHRISTIAN ROHLFS (1849−1938) Tod und Kind um 1912/13 Linolschnitt, Handreiberdruck in Hell− und Dunkelgrün (Kat.−Nr. 179)
	WILHELM RUDOLPH (1889−1982) Die See um 1925 Holzschnitt (Kat.−Nr. 1187)

	KARL SCHMIDT−ROTTLUFF (1884−1976) Christus 1918 Holzschnitt (Kat.−Nr. 195)
	GERT H.WOLLHEIM (1894−1974) Flatternde Ziegelsteine 1921 Aquarell, Silberbronze und Tusche (Kat.−Nr. 214)

JANKEL ADLER − Im Exil

Arbeiten der Jahre 1933 bis 1949

17. November 2009 bis 30. Januar 2010

		Jankel Adler in seinem Londoner Atelier, um 1947

KATALOG-PROSPEKT
16 Seiten, 49 Abbildungen, davon 22 in Farbe,
Format 22 x 12 cm (2009)
Bestell-Nr. 1043
Euro 2,−−

Wer ist Jankel Adler? − "Ein jüdischer Künstler polnischer Nationalität, der in seiner deutschen Wahlheimat internationales Ansehen erlangt hatte, bevor ihn der Nationalsozialismus zur Flucht zwang..." So lesen wir im Vorwort des Kataloges zur großen Adler−Retrospektive, die 1985/86 in Düsseldorf, Tel Aviv und Lodz zu sehen war.

	Selbst mit verschränkten Armen um 1943 Kugelstift (Kat.−Nr. 16)
	Selbstbildnis um 1940 Tuschpinsel (Kat.−Nr. 3)

1895 wird Jankel Adler in Polen in der Nähe von Lodz geboren als achtes von 10 Kindern einer streng−gläubigen jüdischen Familie. 1913 kommt er nach Deutschland, wo er zunächst in Wuppertal bei Geschwistern lebt und an der Kunstgewerbeschule bei Gustav Wiethüchter studiert. Ab 1920 lebt er in Düsseldorf, verkehrt im Kreise des "Aktivistenbundes" und bei Johanna Ey und entwickelt sich zu einem der wichtigsten Künstler des "Jungen Rheinland". Seine von ostjüdischer Mystik und westeuropäischer Formensprache geprägten Bilder beeindrucken nicht nur seine rheinischen Künstlerkollegen, sondern lassen ihn zu einem jüdischen Künstler von europäischem Rang werden.

	Nachdenkende und stehendes Mädchen um 1940 Bleistift (Kat.−Nr. 7)
	Kopf eines Mädchens mit langem Haar um 1940 Tuschpinsel (Kat.−Nr. 5)

	Auf einem Stuhl Sitzende um 1940 Bleistift (Kat.−Nr. 10)
	Großer Kopf um 1940 Tusche (Kat.−Nr. 9)

1933 flieht Adler auf Anraten seiner Freunde von Düsseldorf nach Paris. 1935 geht er nach Polen, wo die erste große Einzelausstellung Adlers stattfindet. 1937−39 lebt er wieder in Frankreich. Nach dem deutschen Überfall auf Polen meldet er sich 1940 freiwillig zur polnischen Exilarmee in Frankreich und kommt mit dieser nach Großbritannien. 1941 aus gesundheitlichen Gründen aus der Armee entlassen, lebt er bis 1943 in Glasgow, Schottland. 1943 übersiedelt er nach London, wo er zu einer einflußreichen Figur innerhalb der jungen britischen Künstlerszene wird. 1949 erliegt Jankel Adler 53jährig einem Herzinfarkt in London.

	Stehende und Skulptur um 1945 Bleistift (Kat.−Nr. 47)
	Mädchenakt im Tub um 1945 Aquarell (Kat.−Nr. 39)

	Figürliche Szene (im Mondschein) um 1945 Aquarell, Tusche und Farbstifte (Kat.−Nr. 42)
	Mädchen am Tisch um 1945 Graue Deckfarbe (Kat.−Nr. 40)

Adlers Bilder und Arbeiten auf Papier der Jahre 1933 bis 1949, die wir hier zeigen, sind eindrucksvolle Dokumente einer künstlerischen Selbstbehauptung und Selbstfindung im Exil. Die Mehrzahl der hier ausgestellten Werke entstammen dem Londoner Nachlaß des Künstlers und werden erstmalig öffentlich gezeigt.

	Weibliche Figur in Braun und Blau um 1947 Aquarell (Kat.−Nr. 57)
	Liegende 1945 Deckfarben (Kat.−Nr. 48)

Betrachtet man eine für Adlers Gesamtwerk typische Thematik wie die weibliche Gestalt, die im Frühwerk streng und unnahbar, verschlossen und unberührbar ins Bild tritt, so offenbaren die späten Blätter eine überraschende Spontaneität, Direktheit und Sinnlichkeit, mit der sich Adler der weiblichen Gestalt in ihrer Körperlichkeit bemächtigt, getrieben von einer ungestümen, nicht minder sinnlichen Pinselführung.
Bei dieser Form und Inhalt bestimmenden Sinnlichkeit bleibt Adler jedoch nicht stehen, sein ästhetisches Bemühen zielt weiter, es zielt auf die absolute Form, es ist der Versuch, der weiblichen Gestalt, der liegenden, stehenden oder sitzenden Figur formale Geschlossenheit, figurative Einfachheit und plastische Monumentalität zu verleihen.

P.B. (Aus dem Katalog der Jankel−Adler−Ausstellung 1985/86)

Große Figurengruppe
um 1948
Öl auf Leinwand
(Kat.−Nr. 60)

Von Angesicht zu Angesicht

Antlitz und Köpfe in der Kunst des 20. Jahrhunderts

8. September bis 1. November 2009

Mit Werken von
Jankel Adler, Horst Antes, Carl Barth, Max Beckmann, Gottfried Brockmann, Ernst Bursche,
Otto Dix, Ewald Dülberg, Alois Erbach, Conrad Felixmüller, Walter Gramatté, Raoul Hausmann, Werner Heuser, Hannah Höch, Max Kaus, Käthe Kollwitz, Wilhelm Lachnit, Paula Lauenstein,
Carl Lauterbach, Peter Ludwigs, August Macke, Jeanne Mammen, Heinrich Nauen, Emil Nolde, Walter Ophey, Otto Pankok, Pablo Picasso, Hans Rilke, Wilhelm Rudolph, Fritz Schaefler,
Karl Schmidt−Rottluff, Karl Schwesig, Franz W. Seiwert und Gert H. Wollheim

KATALOG-PROSPEKT
16 Seiten, 28 Abbildungen, davon 19 in Farbe,
Format 22 x 12 cm (2009)
Bestell-Nr. 2020
Euro 2,−−

Initialzündung für die Ausstellung war ein Bild von Carl Barth aus dem Jahre 1949 mit dem Titel Antlitz und Köpfe. Es zeigt drei Köpfe frontal dem Betrachter zugewandt: in der Mitte einen Christuskopf, flankiert von zwei Soldatenköpfen rechts und links. Dieses Nebeneinander und Miteinander von leidendem Antlitz und martialisch−versteinerten Gesichtern brachte uns auf die Idee, eine ganze Ausstellung dem menschlichen Antlitz zu widmen und die mannigfachen Ausprägungen und Ausdrucksformen des Gesichts auszuloten. Es schien uns eine lohnende Aufgabe, dem Thema des Kopfes, des Gesichts als wesentlichem Teil der künstlerischen Menschendarstellung nachzugehen und das Angesicht des Menschen als Spiegel der Seele, aber auch als Grundform künstlerischer Gestaltung in Bildern, Zeichnungen und Druckgraphiken zur Anschauung zu bringen.

CARL BARTH (1896−1976)
Antlitz und Köpfe 1947
Tempera auf Leinwand
(Kat.−Nr. 8)

So kann man nun in dieser Ausstellung von Angesicht zu Angesicht schreiten und nicht nur die unterschiedlichsten Physiognomien betrachten und vergleichen, sondern auch die vielfältigen künstlerischen Methoden studieren, die Gesichtszüge eines Menschen zu erfassen und darzustellen.

	CONRAD FELIXMÜLLER (1897−1977) Selbstbildnis mit Zeichenstift 1927 Holzschnitt (Kat.−Nr. 34)
	MAX BECKMANN (1884−1950) Der Ausrufer 1921 Radierung (Kat.−Nr. 12)

Im ersten Raum der Ausstellung finden wir ausschließlich Selbstbildnisse der Künstler, denn die Darstellung des eigenen Gesichts, die Erforschung der eigenen Identität war für die Künstler eine hervorragende Aufgabe der Selbstfindung und Realitätserfahrung. Hier finden wir Selbstbildnisse von Max Beckmann und Otto Dix, Otto Pankok und Gert Wollheim, Conrad Felixmüller und Jankel Adler, Karl Schwesig und Walter Gramatté, Hannah Höch und anderen.

	WALTER GRAMATTÉ (1897−1918) Selbst als Katze 1923 Aquarell (Kat.−Nr. 39)
	GOTTFRIED BROCKMANN (1903−1983) Selbstbildnis mit Muschel 1951 Tempera auf Hartfaser (Kat.−Nr. 19)

	KARL SCHWESIG (1898−1955) Selbstbildnis für Gert Wollheim 1921 Linolschnitt (Kat.−Nr. 94)
	OTTO PANKOK (1893−1966) Selbstbildnis (schmal) 1942 Holzschnitt (Kat.−Nr. 68)

	CONRAD FELIXMÜLLER (1897−1977) Mein Vater 1919 Bleistift (Kat.−Nr. 29)
	OTTO DIX (1891−1969) Lorenz Nierendorf 1923 Aquarell, Bleistift und Deckfarben (Kat.−Nr. 22)

Die 20er Jahre − die wesentliche Zeit unserer Ausstellung − beginnen nach dem Ersten Weltkrieg plakativ mit Schmidt−Rottluffs großem in Holz geschnittenem Christus−Kopf. Exemplarische Bildnisse reihen sich nun aneinander, Beckmanns Radierung Die Gähnenden, Otto Dixens aquarelliertes Porträt Lorenz Nierendorf, Felixmüllers Zeichnung Mein Vater, Walter Opheys Geistlicher Herr, Karl Schwesigs Marineporträt, Gert Wollheims Theaterdirektor. Mit Felixmüllers Industriearbeiter, Franz Wilhelm Seiwerts Demonstration: Arbeit − Brot und Käthe Kollwitz' Gefangenen, Musik hörend wird das Gesicht der sozialen Unruhen und Kämpfe der 20er Jahren erkennbar, George Grosz steuert die Gesichter des Großbürgertums unter dem Titel Parasiten bei.

	KARL SCHWESIG (1898−1955) Marineporträt 1930 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 83)
	KÄTHE KOLLWITZ Gefangene, Musik hörend II 1925 Lithographie (Kat.−Nr. 50)

	CONRAD FELIXMÜLLER (1897−1977) Fabrikarbeiter (Arbeitsinvalide) 1921 Holzschnitt (Kat.−Nr. 31)
	WALTER OPHEY (1882−1930) Geistlicher Herr (Der Religionslehrer Professor Haken) 1917/18 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 63)

Das Gesicht der 30er Jahre wird mit Karl Schwesigs Häftlingsporträts von 1933 eingeführt. Hannah Höchs großes Gemälde Angst muß hier erwähnt werden ebenso wie Otto Pankoks Zigeunerbildnisse.

	OTTO PANKOK (1893−1966) Politischer Häftling 1933 Kohle (Kat.−Nr. 89)
	ERNST BURSCHE (1907−1989) Frauenbildnis 1935 Öl auf Holz (Kat.−Nr. 20)

In der Nachkriegszeit rückt die internationale Moderne wieder ins Blickfeld. Picassos "Frauenbildnis" von 1955 steht für diese Entwicklung, die für die deutsche Kunst neue Entfaltungsmöglichkeiten bietet. Carl Barths Gemälde "Neptun" von 1961 und Horst Antes' Aquarell "Paar im Raum" von 1964, die unsere Ausstellung beschließen, können diese Entwicklung nur andeuten.

In den 100 Werken dieser Ausstellung, Köpfen, Gesichtern, Selbstbildnissen und Porträts blicken wir in das Gesicht fast eines ganzen Jahrhunderts, in ihnen spiegelt sich nicht nur die individuelle, sondern auch die gesellschaftliche Geschichte von Menschen. Wir blicken wir in das Gesicht des 20. Jahrhunderts − von Angesicht zu Angesichts.

	HORST ANTES (geb. 1936) Paar im Raum 1964 Aquarell (Kat.−Nr. 6)
	CARL BARTH (1896−1976) Neptun 1961 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 10)

Mit Kunstverstand und Leidenschaft

Eine rheinische Privatsammlung

3. März bis 15. April 2009

50 Werke von über 20 Künstlern:

Jankel Adler, Carl Barth, Georg Baumgarten, Gottfried Brockmann, Theo Champion, Otto Dix, Ewald Dülberg, Fritz Feigler, Conrad Felixmüller, Adolf de Haer, Reinhard Hilker, Hannah Höch, J.B.H. Hundt, Curt Lahs, Julo Levin,
Walter Ophey, Otto Pankok, Robert Pudlich, Christian Rohlfs, Karl Schwesig, Lasar Segall, Adalbert Trillhaase, Gustav Wiethüchter und
Gert H. Wollheim

KATALOG-PROSPEKT
16 Seiten, 17 Abbildungen, davon 9 in Farbe,
Format 22 x 12 cm (2009)
Bestell-Nr. 2019
Euro 2,−−

Ein rheinisches Sammler-Ehepaar

Über 25 Jahre haben sie gesammelt. Seit Anfang der 1980er Jahre verfolgten sie aufmerksam den Werdegang unserer Galerie. Sie besuchten jede Ausstellung, betrachteten aufmerksam die Bilder, studierten interessiert die Preisliste. Und kauften hin und wieder ein Blatt, eine kleine Skizze, einen unsignierten Holzschnitt, dann eine Zeichnung, ein Aquarell, ein Gemälde, immer natürlich nach Maßgabe ihres Budgets und den Möglichkeiten der Wände ihres Hauses. Sie erwarben Stück um Stück, beratungsbedürftig zunächst, alsbald jedoch mit Kunstverstand und Leidenschaft − gemäß der Devise: Kunst macht glücklich! Ein rheinisches Sammlerehepaar, das namentlich nicht genannt werden möchte (doch zur Eröffnung dieser Ausstellung vielleicht unter den Gästen weilen wird).

So entstand über die Jahre eine beachtliche Sammlung von kleinen und größeren künstlerischen Schätzen, vornehmlich aus dem Künstlerkreis des Jungen Rheinlands und der Künstlermutter Johanna Ey, wie es dem Programm unserer Galerie entspricht, mit Seitensprüngen − auch dies programmgemäß − beispielsweise zu der Berliner Dadaistin Hannah Höch.

Nun kommen diese Werke vorübergehend zu uns zurück, für uns ein freudiges Wiedersehen mit Kindern, die uns vor Jahren verlassen haben. Doch diese Werke machen bei uns nur Zwischenstation, um alsbald wieder in die Welt hinaus− und in andere begehrliche Hände überzugehen. Denn diese Sammlung steht zum Verkauf.

Aus Altersgründen hat unser rheinisches Sammlerpaar sich entschlossen, seine Schätze wieder in die Öffentlichkeit zu tragen und sie dem kulturellen Kreislauf des Sammelns, des Erwerbens, Besitzens und Weitergebens, anzuvertrauen. Mögen die neuen Besitzer sich mit ähnlicher Leidenschaft und vergleichbarem Kunstverstand dieser Werke annehmen, wie es unser verehrtes Sammlerpaar getan hat, dem wir für seine Treue zu unserer Galerie danken.

P.B.

Gerd Arntz, 1924 (Foto August Sander)

GERD ARNTZ

im Kreise von Freunden und Kollegen

Jankel Adler Gottfried Brockmann Otto Freundlich
Marta Hegemann Heinrich Hoerle Franz W. Seiwert

25. November 2008 bis 31. Januar 2009

KATALOG
16 Seiten, 31 Abbildungen, davon 9 in Farbe,
Format 22 x 12 cm (2008)
Bestell-Nr. 2018
Euro 3,−−

GERD ARNTZ gehört zum Kreis der sogenannten "Kölner Progressiven" um Franz Wilhelm Seiwert und Heinrich Hoerle, die in den 1920er Jahren mit einem politisch motivierten figurativen Konstruktivismus in die europäische Kunstszene eingriffen.

Gerd Arntz wurde 1900 in Remscheid geboren. 1920 lernte er im "Aktivistenbund" in Düsseldorf den Maler Jankel Adler kennen, der ihn mit seinen radikalen Kölner Weggefährten Franz W. Seiwert und Heinrich Hoerle bekanntmachte. Hoerle und Seiwerts revolutionäre Gesinnung und der rationale und konstruktive Bildaufbau ihrer Werke beeinflußten Arntz sehr. Weitere Künstler−Freunde in diesem Kreis waren die Kölner Anton Räderscheidt und seine Frau Marta Hegemann, der international tätige Avantgardist Otto Freundlich, der zwischen Berlin, Paris und Köln unterwegs war, und auch der zunächst in Köln als Schüler Hoerles und dann in Düsseldorf eigenständig arbeitende Gottfried Brockmann.

Gerd Arntz, der von 1924 bis 1929 in Düsseldorf lebte, war Mitglied des "Jungen Rheinlands" und gehörte zum Kreis um die legendäre Kunsthändlerin Johanna Ey. Er entwickelte die Kunstform des Holzschnittes zu einem perfekten Medium vielschichtiger und differenzierter bildmäßiger Aussage. 1929 ging Arntz als künstlerischer Leiter des Gesellschafts− und Wirtschaftsmuseums nach Wien. 1934 emigierte er in die Niederlande. 1988 ist Gerd Arntz in Den Haag gestorben.

GERD ARNTZ
Feierabend
1931/1979
Holzstock, bemalt
(Kat.−Nr. 5)

"Nachdem die Aufstände an Rhein und Ruhr unterdrückt worden waren, kehrte ich nur langsam zurück zu meinem Leben an der Kunstschule und zum Holzschneiden. Inzwischen hatte ich den Maler Jankel Adler kennengelernt. Unsere Freundinnen Agnes Thubeauville und Betty Kohlhaas wohnten im selben Haus. Durch Adler machte ich im Herbst 1920 flüchtig Bekanntschaft mit den Kölner Malern, die damals die Gruppe "stupid" bildeten. Es waren Heinrich Hoerle und seine Frau Angelika, Franz W. Seiwert und das Ehepaar Räderscheidt.

Die Schule von Kunowski hatte ich aufgegeben. Aber weil meine Eltern wünschten, daß ich doch etwas lernte, ging ich im Herbst 1921 pro forma auf die Kunstgewerbeschule in Barmen zu Professor Wiethüchter, dessen Atelier Jankel Adler damals benutzen durfte. Ab und zu besuchte uns Franz W. Seiwert; seine Gespräche und seine mit großem Ernst dargelegten Ansichten machten starken Eindruck auf mich."

Gerd Arntz, 1970er Jahre

	JANKEL ADLER (1895−1949) Sitzender weiblicher Akt um 1927 Tusche, Sand und Gips auf Papier (Kat.−Nr. 24)
	GOTTFRIED BROCKMANN (1903-1983) Aus einem Topf Essende 1924 Bleistift (Kat.−Nr. 30)

"Ich hatte vor, einen Totentanz zu schneiden und stürzte mich 1950 bei Ausbruch der Korea−Krise, fürchtend, daß ein neues Disaster vor der Tür stünde und ich nicht fertig würde, auf die 12 geplanten Linolschnitte. Aufs neue war ich zurückgekehrt zur Gesellschaftskritik. Die 'Einkleidung' war nicht nach historischen Vorbildern, sondern zeitgemäß. Eine Warnung vor der 'Bombe'."

Gerd Arntz, 1970erJahre


GERD ARNTZ TOTENTANZ 1950
a	Tanz der Nationen In der Stadt Im Dorf	b	Die Gelehrten Die Künstler Die Angestellten	c	Die Regierenden Die Händler Die Arbeiter	d	In der Luft Auf der Erde Im Wasser (Kat.−Nr. 8)

	MARTA HEGEMANN (1894−1970) Die Lampe 1926 Aquarell (Kat.−Nr. 38)
	FRANZ W. SEIWERT Die Fabrik 1923 Linolschnitt (Kat.−Nr. 49)

"Um etwas zu meinen Arbeiten zu schreiben: Seit 1920 zerreiße ich alles was nicht auf Holz gezeichnet ist und nicht geschnitten werden kann. Das Material liegt mir sehr, weil, abgesehen davon, daß das Schneiden sehr schön ist, mir das Holz die Möglichkeit bietet, durch ausgehobene höhere und tiefere Flächen und Linien mein plastische Gefühl zu befriedigen. Das Drucken kommt bei mir als zweites. Da ich überhaupt fast nur Graphiker bin und mich in der Zeichnung ganz auf Schwarz−Weiß mit wenigen Abstufungen beschränke, mußte ich zum Holzschnitt gelangen, wie er auch der heutigen Form entgegen− kommt. Doch faßte ich ihn nicht als reines Reproduktionsmittel an und lange arbeitete ich nur die Stöcke, ohne Abzüge machen zu wollen. Der Wunsch, fest und dauerhaft zu arbeiten, brachte mich dahin, womit ich nicht die Haltbarkeit durch Jahrhunderte meine, denn ich bin froh, das Holz schneller kaputt geht als Eisen und Stein. Es existiert schon so viel was schneller verschwinden sollte; vielleicht helfen diese Drucke neben anderem dazu mit."

Gerd Arntz, 1925

	FRANZ W. SEIWERT (1894-1933) Madonna 1918 Holzschnitt (Kat.−Nr. 47)
	HEINRICH HOERLE (1895-1936) 1927 Mischtechnik (Kat.−Nr. 45)

"Gerd Arntz schneidet in seine Platten Bilder der Arbeit und Bilder der Arbeitenden: Streckenarbeiter, Schleppkähne, Eisenbahnen, Hinterhäuser, Vorstadtzäune, Arbeiterkolonie, dazwischen das Vorstadttheater und 'An Amerika'. Er schneidet das alles mit einem in Deutschland ungewohnten Mangel an Sentimentalität. Einfach, Tatsache, so ist es. Dabei in der Form vereinfacht bis zum Symbol."

Franz W. Seiwert über Gerd Arntz, 1925

	GERD ARNTZ Das Jahr 1956 Linolschnitt (Kat.−Nr. 12)
	GERD ARNTZ Television 1967 Linolschnitt (Kat.−Nr. 19)

"Gerd Arntz hat eine sichere Hand. Wenn er seine Holzschnitte macht, so zieht das Messer die geraden Linien durch, haarscharf, bis ans Ende. Die schwarzen Flächen sind herausgemeißelt und stehen hart und fest da. Die Holzschnittplatte ist gearbeitet wie ein gutes Relief. In seinem Blut pulst das Blut alter Handwerkerfamilien, die exakt arbeitende Werkzeuge bauten. Im Mittelalter hätte er in Brabant gesessen und große Tafeln geschnitzt in Chorstühlen und Altären. Man muß seine Holzplatten in die Hand nehmen, sie fühlen sich an wie gutes altes Handwerk. Es überträgt sich durch sie eine Spannung auf unseren Körper, eine wohltuende Wärme, die uns den Arbeitsprozeß bei der Entstehung des Werkes nachfühlen lä ßt. Dabei ist das, was er arbeitet, nicht entgegenkommend, es ist genau so hart wie das Holz. Es verlangt zunächst mehr von dem Betrachter, als es einfach gibt. Und erst wenn der Betrachter den Willen zeigt, einzudringen und mitzuarbeiten am Werk, zeigt sich ihm die Schönheit und Ausgeglichenheit seiner inneren Struktur."

Franz W. Seiwert über Gerd Arntz, 1925


	Gerd Arntz, um 1980


	Gottfried Brockmann, 1924

GOTTFRIED BROCKMANN

1903 bis 1983

Ausgewählte Werke

9. September bis 8. November 2008

KATALOG
mit einem Text des Künstlers
sowie Texten von Uli Bohnen und Jan Brockmann
112 Seiten mit 140 Abbildungen
(alle Werke sind verkäuflich, Preisliste anbei)
Format 24 x 17 cm, gebunden mit Schutzumschlag
Euro 16,−−
(Bestell-Nr. 1042)

Wir weisen darauf hin,
daß auch unser 2006 erschienener Katalog
Gottfried Brockmann
1903−1983
Gemälde und Arbeiten auf Papier
noch verfügbar ist
(Bestell-Nr. 1039 / Euro 14,−−)

140 Arbeiten werden gezeigt, aus den Jahren 1922−1960, Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Druckgraphiken und Drahtplastiken.

	Mütterliche Geborgenheit 1922 Bleistift (Kat.−Nr. 14)
	Sitzende im Raum 1922 Bleistift (Kat.−Nr. 12)

	Friseur−Attrappe II um 1923 Bleistift, aquarelliert (Kat.−Nr. 23)
	Drahtfigurine II 1923 Bleistift (Kat.−Nr. 17)

Gottfried Brockmann ist einer der eigenwilligsten Weggefährten der Kölner Dadaisten und Konstruktivisten. Max Ernst und Anton Räderscheidt, Franz W. Seiwert und Heinrich Hoerle prägten seine künstlerische Entwicklung in den 1920er Jahren. Brockmanns konstruktiver Realismus hat ebenso naive wie "magische" als auch surrealistische Züge. Brockmann erfaßt die Welt kritisch und ironisch, ohne den Dingen und Figuren ihren Zauber, ihre Hintergründigkeit und ihr Geheimnis zu rauben.

	Figurinen im Raum 1925 Mischtechnik (Kat.−Nr. 36)
	Sitzende Figurinen auf einer Bank 1925 Deckfarben und Tusche (Kat.−Nr. 37)

Geboren 1903 in Köln, lernt Brockmann 1920 Heinrich Hoerle kennen, wird sein Schüler und entwickelt seine eigene Kunstauffassung in enger Verbindung und kritischer Auseinandersetzung mit der sich bildenen "Gruppe Progressiver Künstler" um Hoerle und Seiwert.
1926 siedelt er nach Düsseldorf über und beginnt ein Studium an der dortigen Kunstakademie, 1928 wird er Meisterschüler bei Heinrich Campendonk. 1932 erhält er einen Lehrauftrag an der Akademie und wird Vorstandsmitglied der "Rheinischen Sezession".
1933 erhält er Akademieverbot und entzieht sich den NS−Anfeindungen durch Flucht nach Berlin, wo er bis 1942 handwerklichen Tätigkeiten als Broterwerb nachgeht. 1942−45 wird er zum Kriegsdienst eingezogen. 1945−52 lebt er in Hof an der Saale. 1952 siedelt er nach Kiel über, wo er Kulturreferent der Stadt wird und von 1955−70 die Werkkunstschule leitet. 1983 stirbt Brockmann in Kiel.

	Der Prinzipienreiter (Steckenpferd) um 1928 Tusche (Kat.−Nr. 80)
	Der Illusionist um 1928 Tusche (Kat.−Nr. 82)

	Tiere (Sechs Skizzen) um 1928 Tusche, Farb− und Bleistift sowieCollage auf einen Karton montiert (Kat.−Nr. 89)
	Hahn 1930 Blei− und Farbstift auf Pergamin (Kat.−Nr. 102)

"1926−1932 in den Jahren meiner Ausbildung an der Düsseldorfer Akademie tritt der sozialengagierte Zug in meinen Arbeiten zurück. Ironie und Skepsis werden erkennbar, Reaktion auf die Schwächen der Weimarer Republik, die ihre revolutionären Impulse mehr und mehr verlor. Als sich der Nationalsozialismus ankündigte, draußen und in der Akademie, wurde ich politisch wieder aktiver... 1932 war mir aus Prag die Trotzki'sche Schrift "Wie wird der Nationalsozialismus geschlagen" zugesandt worden. Der darin aufgezeigte Weg schien mir richtig. Wir propagierten den Generalstreik und hofften auf eine gemeinsame Front der beiden sozialistischen Parteien gegen Hitler.
Wir hatten unseren Gegner unterschätzt. Im April 1933: ein schwarzer Mercedes hält bei uns in Düsseldorf−Stockum, Uniformierte in unserer Wohnung, Hausdurchsuchung, Gewalttat und Schußwaffenbedrohung. Bei den Eltern meiner Frau in Berlin−Dahlem suchte ich eine unauffällige Bleibe. Eine Rückkehr in meine Tutor−Position an der Akademie war undenkbar."

Gottfried Brockmann, 1978

	Das Rote Meer 1934 Mischtechnik auf Malkarton (Kat.−Nr. 113)
	"Deus ex machina" 1935 Tempera auf Malkarton (Kat.−Nr. 114)

	Lehrstück: Niederländische Küche 1951 Tempera auf Hartfaser (Kat.−Nr. 5)
	"Dilldopp" (Kreisel) um 1955 Collage und Mischtechnik auf Karton (Kat.−Nr. 131)

Die fantastische Welt der Hannah Höch

Die Puppe Balsamine und der Zauberbusch

22. Januar bis 10. April 2008

Hannah Höch, 1915

KATALOG
mit Texten der Künstlerin , einer biographischen Dokumentation mit 30 Abbildungen,
einer Einführung von Peter Barth sowie dem Original−Linolschnitt "Spiegelung", um 1965
144 Seiten, 120 Werkabbildungen von Hannah Höch,
20 Werkabbildungen von Raoul Hausmann
Format 24 x 17 cm
in Leinen gebunden mit Schutzumschlag
(alle Werke sind verkäuflich, Preisliste anbei)
Euro 28,−−
(Bestell-Nr. 3007)

Hannah Höch, geboren 1889 in Gotha in Thüringen, gestorben 1978 in Berlin, zählt zu den großen deutschen Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.

Als einzige weibliche Mitstreiterin in der Berliner Dada−Bewegung um 1920, an der Seite von Raoul Hausmann und befreundet mit Kurt Schwitters, war sie an der Entwicklung der dadaistischen Kunstform der Fotomontage wesentlich beteiligt. Hannah Höch hat ein Lebenswerk geschaffen, das faszinierend ist in seiner Vielfalt und eine künstlerische Souveränität offenbart, der die unterschiedlichsten Techniken, Stile und Materiali-en zur Verfügung standen. Expressive und konstruktive, kubistische und surrealistische, neu−sachliche und abstrakte Bildfindung beherrschte sie gleichermaßen. Der Kunstform der Fotomontage blieb sie bis zu ihrem Lebensende treu. Hannah Höch "malte" mit Pinsel, Feder und Schere. Das Prinzip der Collage und Montage war ihr künstlerisches Lebensprinzip. Internationale Anerkennung errang ihr Werk in den letzten dreißig Jahren durch museale Ausstellungen in London, Paris, Mailand, Berlin, Kyoto, Los Angeles, New York und Madrid. Derzeit ist eine repräsentative Hannah−Höch−Ausstellung in Basel/Schweiz im Museum Tinguely zu sehen (Januar bis April 2008).

Der vorliegende Katalog enthält 120 Werkabbildungen von Hannah Höch, 20 von Raoul Hausmann und 30 dokumentarische Abbildungen, Texte der Künstlerin zum Begriff der "Fantastischen Kunst" und der "Fotomontage" sowie eine Einführung von Peter Barth. Außerdem ist der Katalog mit einem Original−Linolschnitt ausgestattet.

	RAOUL HAUSMANN (1886−1971) Hannah Höch mit Hut I 1915 Tusche (Kat.−Nr. 121)
	Hannah Höch mit Hut II 1915 Tusche (Kat.−Nr. 122)

		Raoul Hausmann und Hannah Höch Berlin 1915

	RAOUL HAUSMANN (1886−1971) Hannah − Stehender Akt 1916 Kreide (Kat.−Nr. 126)
	Hannah Höch 1915 Holzschnitt (Kat.−Nr. 125)

	Presse−Echo – aktuell
	Hannah Höch: Mit der Schere in die Kunstgeschichte "Ihre Position in der deutschen Kunst des 20. Jahrhunderts hat sich Hannah Höch mit der Schere erobert: Die Künstlerin ist Schöpferin oft grotesker Fotocollagen auf der Grenzlinie zwischen Komik und surrealer Abgründigkeit. Das allerdings viel facettenreichere Lebenswerk von Hannah Höch (1889−1978) aus rund 60 Schaffensjahren breitet vom 22. Januar bis 10. April die Düsseldorfer Galerie Remmert und Barth aus. Die museumswürdige Werkschau der selten, aber dennoch international präsentierten Künstlerin zeigt etwa 130 Zeichnungen, Grafiken, Gemälde und eine Reihe ihrer Montagen zwischen Konstruktivismus und Expressionismus, Neuer Sachlichkeit und abstrakten Bildfindungen." dpa Düsseldorf, 21. Januar 2008


Der schöne Vogel	Der Lauscher	Das Vogeltribunal

		Zu einem Märchen 1945/46 5 Aquarelle (Kat.Nrn. 56-60)
Die Kutschfahrt	Der kranke Frosch in der Spielzeugwerkstatt

	Presse−Echo – aktuell
	Gegengift Fantasie Susanne Schreiber "Bubikopf und große, fragende Augen, avantgardistisch und unbestechlich: So sah sich Hannah Höch (1889-1978) in einem Selbstporträt von 1929. Es transportiert auch ihre wilde Entschlossenheit, die Kunst zu erneuern und sie vor den Spießern zu bewahren. Das 'Selbstbildnis' ist eines der Hauptwerke der facettenreichen Ausstellung 'Die fantastische Welt der Hannah Höch' in der Galerie Remmert und Barth in Düsseldorf." HANDELSBLATT, 8./9./10. Februar 2008

	Zauberbusch 1955 Fotomontage und Deckfarben (Kat.−Nr. 14)
	Der rote Kopf 1964 Fotomontage (Kat.−Nr. 15)

	Presse−Echo – aktuell
	Eine ewig Lernende Klaus Sebastian "'Ich habe alles gemacht − und mich um Handschrift und Merkmal nie gekümmert', bekannte Hannah Höch einmal. Weil sie sich dagegen sträubte, einen für den Kunstmarkt tauglichen, unverwechselbaren Stil zu entwickeln, blieb ihr schließlich auch die ganz große Karriere versagt... Die Ausstellung bei Remmert und Barth spiegelt denn auch die ganze Vielseitigkeit des Oeuvres wider: Von den Dada−Puppen (auf einer Fotografie) über Katzenzeichnungen, konstruktivisten Versuchen, surrealen Aquarellen, Holzschnitten, Fotocollagen und Kriegsanklagen − Höch hat sich tatsächlich an allem versucht... wie eine ewig Lernende bewahrte sich die Höch bis ins hohe Alter ihre Neugier und ihr Vertrauen auf die Kraft der Phantasie. 'Phantastische Kunst' empfand sie freilich nicht als Flucht aus der Wirklichkeit, sondern als Angriff auf die Unvollkommenheit der gesellschaftlichen Verhältnisse." RHEINISCHE POST, 3. März 2008

Statik um 1955
Öl auf Leinwand
(Kat.−Nr. 7)

	Vorüberzeihende Form (Farbige Zeichnung IV aus der Serie 0) 1961 Aquarell und Tusche (Kat.−Nr. 70)
	Geschlossene Form (Farbige Zeichnung V aus der Serie 0) 1961 Aquarell und Tusche (Kat.−Nr. 71)

Mausoleum für eine Utopie
1967
Öl auf Leinwand
(Kat.−Nr. 8)

GROSSES EY WIR LOBEN DICH

Johanna Ey und ihr Künstlerkreis

4. September bis 17. November 2007

		Johanna Ey, 1929

KATALOG
180 Seiten, 200 Werkabbildungen, davon 66 in Farbe,
60 dokumentarische Abbildungen,
mit einem Text von Peter Barth
Format 24 x 17 cm
in Leinen gebunden mit Schutzumschlag
Euro 35,−−

Mit Werken von
Jankel Adler, Carl Barth, Adam Bastian, Curt Beckmann, Gottfried Brockmann, Trude Brück, Heinrich Campendonk, Theo Champion, Otto Dix, Alois Erbach, Max Ernst, Fritz Feigler, Conrad Felixmüller, Otto Freundlich, Richard Gessner, Werner Gilles, Bruno Goller, Otto Griebel, Adolf de Haer, Lisa Hartlieb−Rilke, Heinrich Heckroth, Marta Hegemann, Werner Heuser, Heinrich Hoerle, J. B. Hermann Hundt, Heinrich Kamps, Arthur Kaufmann, Will Küpper, Curt Lahs, Ulrich Leman, Julo Levin, Peter Ludwigs, Marie von Malachowski−Nauen, Heinz May, Heinrich Nauen, Walter Ophey, Otto Pankok, Robert Pudlich, Anton Räderscheidt, Hans Rilke, Christian Rohlfs, Jean Paul Schmitz, Werner Schramm, Karl Schwesig, Jacobo Sureda, Zoltan Székessy, Adalbert Trillhaase, Siegfried Trillhaase, Adolf Uzarski, Eberhard Viegener, Heinz Wever und Gert H. Wollheim

		Otto Dix und Johanna Ey in Düsseldorf, 1924 Foto: Hehmke-Winterer

JOHANNA EY (1864−1947) war in den 1920er Jahren Kunsthändlerin in Düsseldorf. Als "meistgemalte Frau Deutschlands" ging sie in die Kunstgeschichte ein. Als "Mutter Ey" wurde sie zur Legende − eine rundliche Frau um die Sechzig, aus einfachen Verhältnissen, mit Verständnis für die materiellen und persönlichen Nöte ihrer Künstler. Seit 1916 betrieb Johanna Ey eine Kunsthandlung für die konservative "Düsseldorfer Malerschule". Durch den Kontakt mit den aus dem Ersten Weltkrieg heimkehrenden jungen rebellischen Künstlern − vor allem Otto Pankok und Gert Wollheim − entwickelte sie sich zur Kunsthändlerin für eine fortschrittliche "neue Kunst". 1921 zeigte sie die erste Einzelausstellung von Max Ernst in Deutschland. 1922 zog auf ihre Einladung hin Otto Dix von Dresden nach Düsseldorf. Ihr "Laden" mit dem Firmenschild NEUE KUNST FRAU EY wurde zum Zentrum der gesamten rheinischen Künstler−Avantgarde.

Die vorliegende Publikation läßt Leben und Wirken der bedeutenden Kunsthändlerin lebendig werden − mit 200 Werkabbildungen von 50 Künstlern, über 60 dokumentarischen Abbildungen, biographischen Daten zu allen Künstlern sowie einem Text, der viele Zitate aus Johanna Eys autobiographischen Aufzeichnungen enthält.

OTTO DIX (1891−1969)
Johanna Ey
als rettender Engel
1922
Tusche
(Archiv Remmert und Barth)

grosses ey wir loben dich
ey wir preisen deine staerke
vor dir neigt das rheinland sich
und kauft gern und billig deine werke

max ernst, 1929

JANKEL ADLER (1895−1949)
Sitzende am Tisch um 1928
Bleistift
(Kat.−Nr. 4)

Deine Augen sind die leuchtenden, Erquickung spendenden Signale
dem Wanderer, der auf langem Wege kommt, Heimat hoffend.
Deine Hände sind Balsam auf müden, verzweifelten Seelen.
Deine Füße sind der sanfte Abendtritt des Schlafs.
Deine Zigaretten zerbeißen den Schmerz zerrissener Ehen.
Dein warmer Ofen ist Zentrum armer, obdachloser Gesellen.
O laß uns alle bei dir bleiben, der Tag hat sich geneigt, und es lechzt
der Mund nach Schnaps und hoher geistiger Zwiesprache.

Gert H. Wollheim, 1921

OTTO DIX (1891−1969)
Zirkusscene 1923
Aquarell und Collage
(Kat.−Nr. 39)

In der Düsseldorfer Altstadt fehlt ein Denkmal. Es sollte nicht weit von der Kunstakademie stehen, nicht weit von dem Haus Ratinger Straße 45, in dem der Dichter Immermann gelebt hat und gestorben ist und in dem Johanna Ey im Jahre 1910 ihre Bäckereifiliale eröffnete. Nicht viele Städte können sich rühmen, eine Person beherbergt zu haben, die so unzertrennlich ist von ihrer Geschichte wie Johanna Ey, und es gibt wenig Personen, die wie sie der Dankbarkeit ihrer Freunde so gute Gelegenheit geben, ihr ein Denkmal zu errichten.

Heinrich Böll, 1960

Johanna Eys Herz schlug für die Leidenden und Unterdrückten, von den "reinen Formen" verstand sie nicht viel. Instinktiv begriff sie, was Otto Dix mit seinen Schützengrabenbildern, Wollheim mit seinem "Verwundeten" sagen wollte. Sie empfand auch, wie sie es in ihrer unverbildeten Sprache ausdrückte, früh das "Unheimliche" in den Bildern von Max Ernst und wagte als erste, sie auszustellen.

Anna Klapheck, 1977

ROBERT PUDLICH (1905−1962)
Porträt Johanna Ey 1930
Öl auf Holz
(Kat.−Nr. 127)

Im Gegensatz zu gewitzten Kunsthändlern wie Karl und Joseph Nierendorf, Andreas Becker oder Alfred Flechtheim hatte die legendäre Mutter Ey aus Düsseldorf all ihre mütterlichen Gefühle von ihrem betrunkenen Braumeister und zwölf Kindern auf die kämpfenden Avantgarde-Künstler übertragen, wo immer sie zu finden waren.
Sie war von enormem Umfang, und wenn sie ging, bebte alles, auch sie selber. Ich entsinne mich des freundlichen Augenzwinkerns hinter der Stahlbrille, und viele Künstler jener Zeit erinnerten sich an die fürstlichen Inflationsmark−Beträge, die sie für ihre Werke zahlte und die wenigstens wieder eine Tüte Lebensmittel bedeuteten oder sogar die Miete.

Jimmy Ernst, 1984

	Presse−Echo – aktuell
	Großes Ey, wir loben dich! Ulrike Merten Als rettender Engel schwebt Johanna Ey herbei − ein freundliches Lächeln im runden Gesicht, einen 2000er−Schein in der Hand. Mit wenigen Strichen illustrierte Otto Dix um 1922 seine Dankespost an Düsseldorfs legendäre Kunsthändlerin. Und umriß so ihre Schlüsselrolle: Eben nicht die naive, Brötchen schmierende, ihre mageren Künstler mit Kuchen fütternde "Mutter Ey". Sondern die toughe Geschäftsfrau mit Instinkt für Qualität und Mut zur jungen, provokanten Kunst. "Ohne Johanna Ey hätte Dix nicht überleben können", betont Galerist Peter Barth. "Ebenso Max Ernst. Als der 22 nach Paris ging, war das ein ganz armer Schlucker." Ey nahm einen kapitalen Kredit auf und kaufte ihm alle frühen wichtigen Werke ab, darunter "Rendevous der Freunde" oder "Die schöne Gärtnerin", und Ernsts Vierzeiler zählt längst zum Bonmot−Schatz der Kunstgeschichte: "grosses ey wir loben dich / ey wir preisen deine staerke / vor dir neigt das rheinland sich / und kauft gern und billig deine werke"... Professor Ulrich Krempel, Direktor des Sprengel−Museums Hannover, hat seine Eröffnungsworte noch nicht gesprochen, da sind bereits 20 Werke per Telefon nach Berlin, München und Köln verkauft − an Sammler, die sich über den vorab verschickten Katalog orientiert haben. "Die 20er Jahre sind eine nach wie vor gefragte Zeit", sagt Remmert. "Es ist unsere gelebte Geschichte, sie berührt immer noch". NEUE RHEIN ZEITUNG, 1. September 2007

	ZOLTAN SZÉKESSY (1899−1968) Johanna Ey 1932 Gips, getönt (Kat.−Nr. 162)
	JACOBO SUREDA (1901−1935) Johanna Ey 1933 Kohle und schwarze Kreide (Kat.−Nr. 161)


	Mehr als nur Mutter − die moderne Frau Ey Nicole Bolz Ihr Gesicht kennt man von unzähligen Gemälden. Schließlich galt Johanna Ey in den 1920er Jahren als die meist gemalte Frau Deutschlands. Eine rundliche Dame um die 60, die dunklen Augen blicken freundlich durch die dicken Brillengläser. Als Altstadtoriginal "Mutter Ey" wird sie vermarktet, dabei ist sie − ganz im Gegenteil − eine äußerst fortschrittliche, moderne Frau und Wegbereiterin der avantgardistischen Kunst... WESTDEUTSCHE ZEITUNG, 1. September 2007

	60. Todestag von Johanna Ey bei Remmert und Barth, Düsseldorf Gewidmet dem Ey Henrike Schulte Die Entscheidung war schnell getroffen. Als Johanna Ey eines Sonntagmorgens im Jahre 1919 von Johlen und Schimpfen erwachte und feststellte, dass zwei seit dem Vorabend im Schaufenster ihrer Galerie platzierte Werke der jungen Künstler Otto Pankok und Gert Wollheim einen Tumult ausgelöst hatten, war klar: "Jetzt gerade stelle ich die Modernen aus!". Noch nicht lange zuvor hatte die als "Mutter Ey" in Künstlerkreisen bekannte 56−Jährige am Düsseldorfer Hindenburgwall 11 ihre Verkaufsräume eröffnet. Die Düsseldorfer Galerie Remmert und Barth... zeigt zum 60. Todestag von Johanna Ey eine mit 200 Exponaten bestückte Verkaufsausstellung Arbeiten all derjenigen Künstler, deren Werk ohne die Arbeit der umtriebigen Geschäftsfrau wohl nie oder zumindest weniger Bekanntheit erlangt hätte... Bereits 1920 nimmt Max Ernst Kontakt zur Galeristin auf, sie wird 1921 die erste Einzelausstellung seines Werkes organisieren, und auch Otto Dix sitzt ab demselben Jahr mit in Eys Boot. Weniger bekannte Künstler wie Adalbert Trillhaase, Mathias Barz, Trude Brück, Fritz Feigler, Hermann Hundt, Peter Ludwigs, Hans Rilke und Karl Schwesig ergänzen die Runde. Später kommen Jankel Adler, Anton Räderscheidt und Franz W. Seiwert dazu. Auch hier gibt der Katalog zur Ausstellung ausführlich Einblick in die weitere Entwicklung der Galerie sowie das Schalten und Wirken der einzelnen Künstler... www.artnet.de, 6. September 2007

	GERT H. WOLLHEIM (1894−1974) Johanna Ey lesend auf ihrem Diwan um 1922 Tusche (Kat.−Nr. 185)
	GERT H. WOLLHEIM Mutter Ey 1921 Aquarell (Kat.−Nr. 187)


	Johanna Ey und ihr Kreis Klaus Sebastian Einen Brief an Johanna Ey verzierte Otto Dix mit einer fröhlichen Karikatur: Da segelt die rundliche Kunsthändlerin als rettender Engel durch die Lüfte; in der Hand hält sie eine 2000−Mark−Banknote. Die legendäre "Mutter Ey" (die Vermarktung als Altstadtoriginal gefiel ihr selbst überhaupt nicht) liebte und förderte ihre Künstler... Die Geschichte der mutigen Kunsthändlerin wird im Katalog zur Ausstellung ("Großes Ey wir loben dich!") bei Remmert und Barth bildhaft erzählt... Fast alle wollten die Mäzenin malen. Porträts in der Ausstellung zeigen die Ey mal mit "wilden Locken", mal als Nero oder als Schachspielerin. Sie zeugen von einer Beziehung zwischen Künstlern und ihrer Galeristin, die man sich heutzutage kaum noch vorstellen kann. RHEINISCHE POST, 18. September 2007

GERT H. WOLLHEIM
Porträt Otto Dix 1921
Tusche
(Kat.−Nr. 188)


	Großes Ey, wir loben dich Catrin Lorch Sie ist die Mutter der Düsseldorfer Kunstszene in den Zwanzigern: Eine Ausstellung bei Remmert und Barth huldigt der Galeristin Johanna Ey. Wenn es ein Markenzeichen der Moderne in Düsseldorf gäbe, dann müsste es das Ei sein: Die zerlaufene Geometrie des Eies prangte in den zwanziger Jahren des vergangenen Jahrhunderts auf Katalogtiteln und Plakaten − und niemand hat die Umrisse der fast gleichnamigen Dame liebenswerter reduziert als Otto Freundlich im Jahr 1934, der mit dem Bleistift ihr Lächeln in einem auf der Spitze stehenden Ei rahmte; zwei Kreise für die Brille und ein breiter Strich für die Nase genügten, die Kunstwelt kannte und liebte das Gesicht der Johanna Ey, der Kunsthändlerin, die eine ganze Generation päppelte. Zum 60. Todestag der Kollegin in diesem September widmen die Galeristen Herbert Remmert und Peter Barth aus Düsseldorf der legendären Kollegin eine Ausstellung, für die sie knapp zweihundert Arbeiten aus dem Umfeld der Mutter Ey zusammengetragen haben... FRANKFURTER ALLGEMEINE SONNTAGSZEITUNG, 7. Oktober 2007

	Am Anfang war das Ey Isabel Fechter Sie gilt als "meistgemalte Frau": Johanna Ey, die Mutter Courage der rheinischen Avantgarde, schrieb Düsseldorfer Kunstgeschichte NOMEN EST OMEN? Manchmal schon. Treffender könnte der Zufall nicht spielen als beim Namen der legendären Düsseldorfer Kunsthändlerin Johanna Ey. Ihre Namensvetterin die heilige Johanna: die Kämpferische, Unbeugsame. Das Ei: Sinnbild für Geborgenheit, die Keimzelle, das Leben. All dies bedeutete die Ey, das Ey, Tante Ey, Mutter Ey, wie sie auch genannt wurde, für die Künstler des "Jungen Rheinlands", die sie unterstützte, verteidigte, ausstellte und förderte... Seit 27 Jahren bewegt sich die Düsseldorfer Galerie Remmert und Barth auf den Spuren des Ey−Kreises und "Jungen Rheinlands". Nicht ohne Hintergrund, gehörte doch der Vater von Peter Barth, der Maler Carl Barth, in dieses Umfeld. Aber die einst Revolutionären sind zu einem großen Teil heute vergessen. Wie bei Johanna Ey damals, gehören auch heute Engagement und Mut dazu, immer wieder auf diese Zeit und ihre Künstler aufmerksam zu machen. Mit einer Ausstellung von rund 200 Werken von 50 Künstlern und reich bebilderter Publikation mit essentiellem Beitrag von Peter Barth begeht die Galerie den 60. Todestag von Johanna Ey... WELTKUNST, Heft 12/2007, 15. Oktober

Selbstbildnis (für Erich Heckel) Kat.-Nr. 3

Das Abenteuer der Druckgraphik

WALTER GRAMATTÉ

Zustandsdrucke − Probedrucke − Farbvarianten

28. November 2006 bis 31. Januar 2007

KATALOG
16 Seiten, 25 Abbildungen, davon 15 in Farbe,
Format 22 x 12 cm (2006)
Bestell-Nr. 1041
Zusendung auf Wunsch

	Der Sturz in die Unendlichkeit 1918 Radierung (Kat.−Nr. 34)
	"Vogelmädchen", Sonia Gramatté 1922 Radierung (Kat.−Nr. 37)

Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die Farblithographie "Selbstbildnis mit Häusern", auch "Selbstbildnis vor Hamburger Häusern" betitelt, die wir in 22 Varianten präsentieren können. Die Blätter sind Handabzüge des Künstlers, die er auf seiner "Lithomaschine" gedruckt hat. Es handelt sich um Zustands− und Probedrucke von ein bis vier Steinen sowie Farbvarianten, die der Künstler zum Teil zusätzlich aquarelliert hat. So wurde jeder Abzug in seiner Art ein Unikat.


Selbstbildnis mit Häusern" 1923, Farblithographie von ein bis drei Steinen in 22 Varianten, (Kat.-Nr. 23)

"Ich arbeite mit Dampf, daher schreibe ich erst heute. Als ich dich zum Bahnhof gebracht hatte, ging ich langsam nach Hause und machte allerhand Dummheiten... Dann habe ich an meinen Steinen gearbeitet, um halb sechs kam Zeitner, wir haben bis zwölf Uhr nachts an der Maschine gestanden. Ich fiel fast um...
[am nächsten Tag:] ...dann hab ich wieder losgelegt und so sind wir ein gut Stück vorwärts gekommen. Die Farbplatten sind völlig durchgedruckt, heut kommt die Grundplatte über alles, und ein neues Blatt ist fertig. Kontur und Hintergrund Miloriblau, Häuser und Wolken grün, Gesicht rotviolett. Möglich daß ich das weiter verändere..."

Walter an Sonia Gramatté, Brief vom 2.3.1923

	Mädchenkopf 1923 Lithographie in Braunrot (Kat.−Nr. 24)
	Mädchenkopf 1923 Farblithographie, aquarelliert (Kat.-Nr. 27)

"Ich möchte sogern einmal mit einer Bohrmaschine (wie die Zahnärzte sie haben) arbeiten. Ich war gestern bei Fritz und habe es versucht: Es übertrifft alle meine Erwartungen. Ich habe einen Schleifstein eingesetzt und in kürzester Zeit kann ich nicht nur ganz tiefgeätzte Linien vollständig verschwinden lassen, sondern ganze Flächen tiefer legen und anschließend mit einem anderen Material hochglänzend polieren... Ich kann nun, was niemand kann, fabelhaft leicht feinste Correkturen vornehmen, eine Linie direkt verlegen und ganz neue Wirkungen erzielen. Da wird sich noch mancher den Kopf zerbrechen, wie ich manches fertig bringe." "

Walter an Sonia Gramatté, 15.6.1927

KÖRPER − KÖRPER − KÖRPER

von Rohlfs bis Dix, von Kirchner bis Grosz

1. September bis 15. November 2006

Mit Werken von
Jankel Adler, Carl Barth, Max Beckmann, Willi Baumeister, Gottfried Brockmann, Lovis Corinth, Otto Dix, Fritz Feigler, Conrad Felixmüller, Bruno Goller, Walter Gramatté, George Grosz, Adolf de Haer, Raoul Hausmann, Erich Heckel, Hannah Höch, Carl Hofer, Ernst Ludwig Kirchner, August Macke, Gerhard Marcks, Ewald Mataré, Otto Müller, Heinrich Nauen, Karel Niestrath, Otto Pankok, Pablo Picasso, Robert Pudlich, Christian Rohlfs, Wilhelm Rudolph, Kurt Sandweg, Fritz Schaefler, Carl Moritz Schreiner, Karl Schwesig, Adalbert Trillhaase, Adolf Uzarski, Christoph Voll und Gert H. Wollheim

KATALOG
16 Seiten, 24 Abbildungen, davon 8 in Farbe,
Format 22 x 12 cm (2006)
Bestell-Nr. 2016
Zusendung auf Wunsch

Hereinspaziert, verehrtes Publikum! Kommen und schauen Sie! Sehen Sie den menschlichen Körper in all seiner Schönheit und Häßlichkeit, Jugendlichkeit und Vergänglichkeit, Faszination und Ausstrahlung! Sehen Sie mit den Augen der Maler, sehen Sie die Vielfältigkeit der Linien und Formen, der Volumen und Proportionen. Sehen Sie hier die zarten Akte von August Macke oder dort die überwältigende Körperfülle der sitzenden "Berta", die Otto Dix aufs Papier gebannt hat! Treten Sie (bitte leise) an die schlafende "Dodo" von Ernst Ludwig Kirchner heran. Oder ergötzen Sie sich an den bierbauchschönen Männer−Akten im "Dampfbad in der Goltzstraße" von George Grosz.
Der Radius der Ausstellung reicht von Jankel Adlers "Soldat im Bordell" bis zu Gert Wollheims "Abendgymnastik" eines kubistisch entzweiten Liebespaares unter Sternenhimmel in der Dachstube. Dazwischen bewegen sich anmutig und stolz Otto Dixens "Suleika, das tätowierte Wunder", Felixmüllers Liebespaar in blauer "Mondnacht", Erich Heckels "Frauen am Strand", Picassos "Hockendes Modell", Christian Rohlfs "Zwei Tanzende", Adalbert Trillhaases "Susanna und die beiden Alten" − doch wir wollen nicht alles verraten. Kommen Sie und schauen Sie! Lassen Sie sich überraschen! Es gibt viel zu gucken − und auch zu kaufen!

	GEORGE GROSZ (1893−1959) "Akte" (Alte in Kniestrümpfen) 1923 Tusche (Kat.-Nr. 36)
	AUGUST MACKE (1887−1914) Zwei sitzende weibliche Akte (Lagernde nackte Mädchen) 1913 Tusche (Kat.−Nr. 55)

	Presse−Echo – aktuell
	Die Gymnastik in den Abendstunden von Helga Meister ...Bei George Grosz sind die Grazien dicklich, die Männer komisch, die Schönen Zwitter und die Dessous altmodisch, dennoch ist es ein feiner Humor, der von seinen Tuschen und Bleistiftzeichnungen ausgeht. Da nehmen vier Herren ein Dampfbad und drehen und wenden sich wie im Grotesktanz, um Wasser an die unmöglichsten Stellen zu bekommen. Ein stehender weiblicher Halbakt von Grosz, versehen mit Lippenbart und Schönheitspflaster, ist im Spitzenhöschen köstlich. Conrad Felixmüllers nacktes Pärchen in der Mondnacht oder Raoul Hausmanns dünne Hannah Höch mit Wespentaille präsentieren den Körper auf humorige Art. Ein besonderes Bild ist Gert H. Wollheims Abendgymnastik. Das Pärchen ist zerschnitten, die Köpfe sind verrutscht, die Gliedmaßen in den Farben verschoben, der Innenraum durch ein fiktives Tuch von den Sternen getrennt und das Ganze ein Vexierspiel in einem bedrohlichen Raum. WESTDEUTSCHE ZEITUNG, 1. September 2006

	CHRISTIAN ROHLFS (1849−1938) Stehender weiblicher Doppelakt 1913 Kohle (Kat.−Nr. 76)
	CHRISTIAN ROHLFS (1849−1938) Großer Akt um 1911 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 75)


	Dem Regen entgegen von Henrike Schulte Der Sommer ist zurzeit vorbei. Wo noch vor kurzem knappe Röckchen winkten und Herrenhemden aufgeknöpft lockten, dominiert nun erzwungene Hochgeschlossenheit. Ganz Deutschland verbirgt den nur noch zart gebräunten Leib unterm Regenmantel. Ganz Deutschland? Nein, ein kleines Dorf am Rhein leistet dem hereinbrechenden Herbst heftigen Widerstand. In Düsseldorf zeigen die Galeristen Remmert und Barth ab sofort nackte Haut... ...102 Arbeiten, darunter vornehmlich Zeichnung und Grafik, haben Remmert und Barth anlässlich des Düsseldorfer Quadriennale−Themas "Der menschliche Körper und seine Darstellung in der Kunst" aus dem Bestand hervorgezaubert. Ihnen gemein ist die unverhüllte Darbietung des Fleisches und damit sogleich dessen, was wir begehren und doch zugleich so fürchten... Zu den spannenderen und die erotische Komponente des Aktes am trefflichsten darstellenden Werken der Ausstellung gehört zweifellos Ernst Ludwig Kirchners Dodo. In sparsamer und zugleich fester Strichführung hat der Maler um 1910 die Dresdener Freundin, sein damaliges Lieblingsmodell, in liegender Pose zu Papier gebracht. Der zärtlichen Darstellung des Blattes entsprechend schrieb er in Erinnerung an die Geliebte neun Jahre später in einer Tagebuchnotiz: "Deine feine frische Liebeslust, mit Dir erlebte ich sie ganz, fast zur Gefahr meiner Bestimmung. Doch Du gabst mir die Kraft zur Sprache über Deine Schönheit im reinsten Bilde eines Weibes...". www.artnet.de, 1. September 2006

Carl Barth, um 1935

Leben um zu malen

CARL BARTH

Ausgewählte Werke 1925 − 1965

25. Juli bis 19. August 2006

KATALOG
16 Seiten, 20 Abbildungen, davon 15 in Farbe,
3 dokumentarische Abbildungen
Format 27,5 x 21 cm (2006)
Bestell-Nr. 1040
Euro 8,−−

Aus Anlaß des 30. Todestages (und 110. Geburtstages) des rheinischen Malers Carl Barth zeigen wir unter dem Motto "Leben um zu malen" Werkbeispiele aus 50 Schaffensjahren, Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen und druckgraphische Werke, die den künstlerischen Weg des 1896 in Haan/Rheinland geborenen und 1976 in Düsseldorf gestorbenen Malers anschaulich vor Augen führen.
Die Ausstellung setzt ein mit spätexpressionistischen Arbeiten der 1920er Jahre, als Barth Meisterschüler bei Heinrich Nauen an der Düsseldorfer Akademie war. Das großformatige "Stilleben mit Cello" von 1929 markiert den Abschluß von Barths Akademiezeit, gleichsam sein Meisterstück, das die Abkehr vom Stil seines Lehrers und den Beginn einer anti−expressionistischen Malweise markiert.

Stilleben mit Cello 1929
Öl auf Leinwand
(Kat.−Nr. 4)

Es folgen die Werke der beginnenden 30er Jahre, die magisch−realistischen Tempera−Gemälde, die heute als der bedeutendste Teil des Barth'schen OEuvres angesehen werden. Zwei der wichtigsten Werke dieser Periode können wir in unserer Ausstellung präsentieren: die "Schiffschaukel" von 1932, die seit Jahrzehnten in Privatbesitz verborgen war, und die "Rheinbrücke" aus demselben Jahr, ein Gemälde, das man vor fünf Jahren in der legendären Münchner Ausstellung "Der kühle Blick" neben Max Beckmanns Gemälde "Der eiserne Steg" aus der Kunstsammlung Nordrhein−Westfalen hängen sah. Die "Schiffschaukel" und die "Rheinbrücke" stehen im Mittelpunkt unserer Ausstellung.

	Straßenbau um 1930 Linolschnitt (Kat.−Nr. 5)
	Schiffschaukel 1932 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 8)

Soll man diese Bilder stilgeschichtlich einordnen, so wird man ihren Platz am ehesten auf dem sogenannten "rechten Flügel" der Neuen Sachlichkeit, dem Magischen Realismus finden. Sie siedeln irgendwo zwischen Magischem Realismus und "Neu−Romantik", sind aus dem weiten Umfeld der Neuen Sachlichkeit zu einer neuen Romantik hin unterwegs, vor allem die in Rom und Sizilien gemalten Bilder. Aber all diese Begriffe sind natürlich ungenau und werden von verschiedenen Autoren mit wechselnder Bedeutung verwendet. Sie helfen nur wenig weiter. Halten wir uns darum an die Bilder selbst.

Wieland Schmied in: Carl Barth, hrsg. von Herbert Remmert und Peter Barth, Düsseldorf 1986, Seite 61/62

	Rheinbrücke um 1932 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 9)
	Einsamer Strand 1932 Linolschnitt (Kat.−Nr. 7)

1932 ist für Barth ein entscheidendes Jahr. Nach eigener Aussage ist es quasi die Stunde Null seiner Kunst. Erst jetzt bezeichnet er seine Bilder als Malerei. Die meisten seiner Gemälde dieser Zeit sind menschenleer. So auch das Bild Rheinbrücke: Alle Zeugnisse menschlicher Zivilisation, wie Brücke, Schiff, Häuser und Kirche sind verlassen, sogar der Fesselballon schwebt herrenlos am Himmel. Eine ruhige, zeitlose Stille liegt über der lapidaren Szene. Der Betrachter bleibt distanziert, obwohl er gleichzeitig von einer magischen Stimmung angezogen wird, die diese Komposition zusammenhält. Das Thema wird hier völlig anders umgesetzt als bei dem vergleichbaren Bild Der eiserne Steg, das Max Beckmann zehn Jahre früher geschaffen hat und das eindringlich die Ambivalenz der Großstadt schildert. Barths Rheinbrücke erzählt keine Geschichte. Es wird weder Stellung bezogen noch ein Kommentar zum Zeitgeschehen gegeben. Obwohl topographisch lokalisierbar und perspektivisch richtig, verdichtet diese schlichte Stadtlandschaft ein unwirkliche, ausschließlich poetische Stimmung.

Christiane Lange in: Der kühle Blick, Realismus der zwanziger Jahre, München 2001, Seite 106

Es folgen die "römischen" Arbeiten Barths aus den Jahren 1938/39, als der Künstler nach dem Erhalt des Cornelius−Preises ein Jahr in der Villa Massimo in Rom weilte und sich (nicht ohne aktuellen Zeitbezug) der Darstellung der Ruinenlandschaft abendländischer Kultur widmete.

	Forum Romanum 1938 Tusche
	Forum Romanum 1938 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 13)

Danach springt die Ausstellung in die 50er Jahre: Carl Barth wendet sich nun, wie Karl Ruhrberg formuliert, "stärker der Abstraktion zu, ohne je den Kontakt mit der sichtbaren Welt zu verlieren". Es folgen die Bilder der 60er Jahre, in denen Barth die "Grenze des Gegenständlichen" überschreitet, wenn er auch "der Wirklichkeit noch immer ganz nahe steht" (Günther Ott). Carl Barth bleibt auch in diesen späten Werken seinem konstruktiven, architektonischen Stilempfinden und seiner kompositorisch−strengen Malweise treu, die schon seine frühen Arbeiten auszeichnete.

Kalter Tag am Meer 1953
Öl auf Leinwand
(Kat.−Nr. 14)

Die Worte Gegenstandslos, Abstrakt, Konkret sind das Dümmste im Vokabular der Kunst. Es gibt nichts Abstraktes, wir leben in unserer Umwelt und werden von ihr zur künstlerischen Aussage gedrängt. Diese Aussage muß ehrlich sein, nach seinen Erkenntnissen und Empfindungen. "Neue Kunst"? Wo gibt es die? Auch ein dummes Wort. Kunst ist durch alle Jahrtausende immer dasselbe gewesen, auch heute hat sie sich nicht abgewandt von den gesetzlichen Ursprüngen...
Ich habe durchaus kein Programm, oder gar den Willen, eine einmal entdeckte künstlerische Maxime nun tot zu reiten. Die Versuche, mit denen ich mich im letzten Jahr künstlerisch beschäftigen mußte, sind getan worden, um nichts auszulassen, was zur Entdeckung des eigenen Ichs führen könnte... Wenn ein Bild nichts vom großen Geheimnis der göttlichen Schöpfung in sich trägt, so ist es vertan und kein intellektuell−künstlerisches Gespräch vermag es aus seiner Todesstarre zu lösen und ihm Leben zu geben.

Carl Barth, 1959

Verwandlung des Zeus 1963
Öl auf Leinwand
(Kat.−Nr. 18)

Grübeln führt nicht zum Ziel. Nur praktisches Tun, d.h. mit Pinsel (Werkzeug) und Farbe ständige Versuche anstellen, kann eine Lösung hervorbringen...
Zwar darf der Maler sein Denken nicht ausschalten, aber er muß auf die Forderung achten, die das Bild ihm stellt. Also ständig auf der Lauer liegen und das Bild nach seinen Forderungen fragen und sie dann mit Mut beantworten.

Carl Barth, um 1960

	Presse−Echo – aktuell
	WESTDEUTSCHE ZEITUNG Kultur: Interview mit Carl Barths Sohn Samstag, 22. Juli 2006 Zwei Einzelgänger unter sich Zum 30. Todestag des Malers Carl Barth widmet ihm sein Sohn Peter eine Matinee und Ausstellung. Im WZ−Interview spricht er über seine Erinnerungen an den Vater. Das Interview führte Helga Meister Am Sonntag bittet die Galerie Remmert und Barth zu einer ungewöhnlichen Matinee. Es liest der Galerist Peter Barth aus den Aufzeichnungen seines Vaters, des Malers Carl Barth. Anlass ist eine Ausstellung zum 30. Todestag und 110. Geburtstag des berühmten magischen Realisten. Im WZ−Gespräch mit Sohn Peter Barth kommt indirekt auch Carl Barth zu Wort. WZ: Herr Barth, was hat der Sohn vom Vater geerbt? Barth: Die Lebenshaltung, den melancholischen Ernst, der sich nach außen hin in einer lockeren, heiteren Art zeigt. Leute behaupten, ich hätte eine gewisse Lebensweisheit von ihm geerbt. Ich war immer Einzelgänger wie er auch. Und was ich von ihm sonst noch habe, ist der Ehrgeiz. Schlecht war, dass er immer zu spät kam, in der Künstlervereinigung Junges Rheinland wollten sie ihn nicht mehr haben. WZ: Was heißt das? Barth: Er kam mit seinem Stil der Neuen Sachlichkeit zu spät, als er Ende der 20er Jahre seine magisch−realistischen Werke schuf. Die Neue Sachlichkeit war da längst in eine neue Süßlichkeit übergegangen. Ab 1931 begannen in Düsseldorf die Nazi−Tendenzen. Da hat mein Vater menschenleere, stille und melancholische Bilder geschaffen. Mit ihnen schwamm er gegen den Strom...

25 JAHRE REMMERT UND BARTH
1980 − 2005

Ausgewählte Werke

6. September bis 23. Dezember 2005

Mit Werken von

Jankel ADLER, Carl BARTH, Max BECKMANN, Gottfried BROCKMANN, Ernst BURSCHE,

Otto DIX, Max ERNST, Lyonel FEININGER, Conrad FELIXÜLLER, Richard GESSNER,

Werner GILLES, Otto GLEICHMANN, Bruno GOLLER, Walter GRAMATTÉ,

Erwin GRAUMANN, Otto GRIEBEL; George GROSZ, Adolf DE HAER, Raoul HAUSMANN,

Erich HECKEL, Werner HEUSER, Hannah HÖCH, Adolf HOELZEL; J.B.Hermann HUNDT,

Alexander KANOLDT, Max KAUS, Ernst Ludwig KIRCHNER, Paul KLEE, Oskar KOKOSCHKA,

Käthe KOLLWITZ, Bernhard KRETZSCHMAR, Paul KÜHN, Will KÜPPER, Curt LAHS,

Otto LANGE, Julo LEVIN, August MACKE, Gerhard MARCKS, Ewald MATARÉ,

Felix MESECK, Heinrich NAUEN, Emil NOLDE, Walter OPHEY, Otto PANKOK,

Robert PUDLICH, Christian ROHLFS, Fritz SCHAEFLER, Karl SCHMIDT-ROTTLUFF,

Werner SCHRAMM, Karl SCHWESIG, Lasar SEGALL, Jacobo SUREDA, Adalbert TRILLHAASE,

Eberhard VIEGENER, Gustav WIETHÜCHTER und Gert H. WOLLHEIM

KATALOG
mit einer Chronologie und Dokumentation unserer Ausstellungen sowie Auszügen aus den beiden ersten Kapiteln der Galerie−Memoiren
260 Seiten, 220 Werkabbildungen, davon 105 in Farbe,
sowie 60 dokumentarische Abbildungen
Format 24 x 17 cm, in Leinen gebunden
(alle Werke sind verkäuflich, Preisliste anbei)
Euro 35,−−

	CHRISTIAN ROHLFS (1849−1938) Roter Mohn 1916 Aquarell, 64 x 49 cm monogrammiert, datiert Werkverzeichnis Vogt 16/28 (Kat.−Nr. 168)
	CONRAD FELIXMÜLLER (1897−1977) Brüder am Rhein 1920 Radierung, 26,5 x 27,7 cm signiert, betitelt, numeriert Werkverzeichnis Söhn 217 (Kat.−Nr. 47)

	Presse−Echo – aktuell
	Zum Jubiläum Trouvaillen in Petersburger Hängung Seit 25 Jahren sorgen die Düsseldorfer Kunsthändler Herbert Remmert und Peter Barth dafür, daß die einstigen Avantgarden nicht vergessen werden... Nun füllt die Jubiläumsausstellung − in "Petersburger Hängung" − den klassizistischen Bau, dem die Renovierung den Charakter eines bürgerlichen Wohnhauses erhielt, vom Keller bis zum Dach. Darunter sind Trouvaillen − wie die seltene Radierung von Käthe Kollwitz " Zwei schwatzende Frauen mit zwei Kindern" − neben konstruktivistischen Bleistiftzeichnungen des wenig bekannten Düsseldorfer Künstlers Curt Lahs von 1920. Zwei Gemälde von Otto Dix aus dem Jahr 1913 − eine "Schlucht mit gefällten Bäumen" und eine "Eisenbahnbrücke" − begegnen Blättern wie dem Aquarell "Jonas und der Wal" von Jankel Adler oder Gert Heinrich Wollheims "Der Feierabend" und der "Hirtin" von Otto Gleichmann aus dem Jahr 1918... Catrin Lorch, FRANKFURTER ALLGEMEINE SONNTAGSZEITUNG, 18. September 2005

	OTTO PANKOK (1893−1966) Mühle II 1922 Radierung, 45,7 x 35,2 cm Werkverzeichnis Jäger WR 254 A (Kat.−Nr. 158)
	KARL SCHWESIG (1898−1955) Marineporträt 1930 Öl auf Leinwand, 80 x 65,3 cm (Kat.−Nr. 188)

mehr zu Carl Barth	Biographische Daten
Ausstellungen von Carl Barth in der Galerie Remmert und Barth	zurück zum Seitenanfang

	HORST ANTES (geb. 1936) Kopffüßler und blauer Vogel 1963 Aquarell und Tusche (Kat.−Nr. 14)
	GERD ARNTZ (1900−1988) théatre 1924 Holzschnitt (Kat.−Nr. 18)

	LYONEL FEININGER (1871−1956) Architektur 1963 Holzschnitt (Kat.−Nr. 58)
	CARL BARTH (1896−1976) Amerikanerin 1963 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 26)

	FRANZ M. JANSEN (1885−1958) Frühling in der Großstadt 1926 Holzschnitt (Kat.−Nr. 113)
	WALTER GRAMATTÉ (1897−1929) Sterbender Wald I 1922 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 80)

	FRANZ M. JANSEN (1885−1958) Sonntag in Döbeln 1921 Radierung (Kat.−Nr. 120)
	PAUL KÜHN (1885−1981) Gasse in Wuppertal−Elberfeld 1919 Öl auf Karton (Kat.−Nr. 125)

	WALTER OPHEY (1882−1930) Schloß Pyrmont um 1920 Farbkreiden (Kat.−Nr. 143)
	CHRISTIAN ROHLFS (1849−1938) Die Rückkehr des verlorenen Sohnes 1916 Holzschnitt (Kat.−Nr. 156)

	JANKEL ADLER (1895−1949) Sitzender bärtiger Mann mit Mütze um 1924 Radierung (Kat.−Nr. 3)
	CARL BARTH (1896−1976) Blaue Nacht im Gebirge 1959 Öl auf Leinwand (Kat.−Nr. 15)

	GOTTFRIED BROCKMANN (1903−1983) Nachdenkender 1922/23 Bleistift (Kat.−Nr. 22)
	OTTO DIX (1891−1969) Begräbnis 1922 Radierung (Kat.−Nr. 35)

	CONRAD FELIXMÜLLER (1897−1977) Regentag 1921 Lithographie (Kat.−Nr. 46)
	ADOLF HOELZEL (1853−1934) Verkündigung an die Hirten um 1925 Pastell (Kat.−Nr. 95)

	EWALD MATARÉ (1887−1965) Hahn 1930 Holzschnitt (Kat.−Nr. 124)
	HEINRICH NAUEN (1880−1940) Zinnien in schwarz−weißer Vase um 1930 Öl auf Leinwand auf Holz (Kat.−Nr. 127)

	GERT H. WOLLHEIM (1894−1974) Eine Dienstmagd zu Tode gemartert 1921 Aquarell, Farbstifte, Tusche und Collage (Kat.−Nr. 185)
	GERT H. WOLLHEIM Der Streit 1920 Tusche (Kat.−Nr. 189)

	Trinker um 1935 Holzschnitt 297 x 362 mm (Kat.−Nr. 7)
	"See" (Meer) um 1925 Holzschnitt 493 x 653 mm (Kat.−Nr. 2)

	Junger Wolf um 1935 Holzschnitt 443 x 597 mm (Kat.−Nr. 9)
	Pavian um 1930 Holzschnitt 375 x 425 mm (Kat.−Nr. 6)

	Dresden, Zöllnerstraße um 1946 Holzschnitt 480 x 648 mm (Kat.−Nr. 17)
	Zwei Akte am Elbufer um 1955 Holzschnitt 453 x 660 mm (Kat.−Nr. 27)

	WALTER GRAMATTÉ (1897−1929) Aus Granada II 1926 Aquarell über Bleistift (Kat.−Nr. 60)
	EWALD MATARÉ (1887−1965) Weide 1923 Farbholzschnitt (Kat.−Nr. 128)

	Pietà um 1928 Bleistift (Kat.−Nr. 73)
	Flammenfigurinen 1921/22 Aquarell (Kat.−Nr. 73)

	Kreuzabnahme 1919 Öl auf Leinwand, 178 x 165 cm signiert, datiert Negendanck 62 (Kat.−Nr. 13)
	Selbstbildnis (für Erich Heckel) 1919 Holzschnitt, 400 x 315 mm signiert, datiert im Stock bezeichnet "Für Erich Heckel", vom Drucker Voigt bezeichnet Eckhardt 23 (Kat.−Nr. 14)

	Morgen am Meer (Hiddensee) 1920 Öl auf Leinwand, 745 x 910 mm signiert, datiert, Negendanck 84 (Kat.−Nr. 26)
	Mädchen am Fenster (Hiddensee) 1921 Aquarell über Tusche 377 x 488 mm signiert, datiert (Kat.−Nr. 27)

	Barcelona (mit Ballon) 1924 Öl auf Leinwand 665 x 775 mm signiert, datiert, betitelt Negendanck 106 (Kat.−Nr. 48)
	Selbst mit Fensterkreuz 1926 Aquarell über Bleistift 456 x 386 mm signiert, datiert, bezeichnet "Madrid" (Kat.−Nr. 63)

Die vorhergehenden Ausstellungen

Die Rückkehr des Malers und Bildhauers

LUDWIG GABRIEL SCHRIEBER

ins Rheinland

ÜBERBLICK 2010

JANKEL ADLER − Im Exil

Arbeiten der Jahre 1933 bis 1949

Von Angesicht zu Angesicht

ÜBERBLICK 2009

Mit Kunstverstand und Leidenschaft

Eine rheinische Privatsammlung

GERD ARNTZ

im Kreise von Freunden und Kollegen

GOTTFRIED BROCKMANN

1903 bis 1983

Ausgewählte Werke

ÜBERBLICK 2008 Künstler der Galerie von Jankel Adler bis Gert H. Wollheim

Die fantastische Welt der Hannah Höch

Die Puppe Balsamine und der Zauberbusch

GROSSES EY WIR LOBEN DICH

Johanna Ey und ihr Künstlerkreis

Aus allen Hölzern war Leben zu erwecken

WILHELM RUDOLPH

Holzschnitte 1920 − 1960

ÜBERBLICK 2007 Künstler der Galerie von Christian Rohlfs bis Ewald Mataré

Das Abenteuer der Druckgraphik

WALTER GRAMATTÉ

Zustandsdrucke − Probedrucke − Farbvarianten

KÖRPER − KÖRPER − KÖRPER

von Rohlfs bis Dix, von Kirchner bis Grosz

Leben um zu malen

CARL BARTH

Ausgewählte Werke 1925 − 1965

WESTDEUTSCHE ZEITUNG

Zwei Einzelgänger unter sich

Zum 30. Todestag des Malers Carl Barth widmet ihm sein Sohn Peter eine Matinee und Ausstellung. Im WZ−Interview spricht er über seine Erinnerungen an den Vater.

GOTTFRIED BROCKMANN

1903 bis 1983

Gemälde und Arbeiten auf Papier

25 JAHRE REMMERT UND BARTH 1980 − 2005 Ausgewählte Werke

Mit der Unerbittlichkeit der Jugend

WALTER GRAMATTÉ

1897 bis 1929

Mit Ätzgrund und mit Kalter Nadel

RADIERUNGEN

von Käthe Kollwitz bis Conrad Felixmüller

Zwischen Verismus und Klassizismus

"DIE NEUE SACHLICHKEIT"

Realismus der 1920er Jahre in Deutschland

ÜBERBLICK 2008
Künstler der Galerie von Jankel Adler bis Gert H. Wollheim

ÜBERBLICK 2007
Künstler der Galerie von Christian Rohlfs bis Ewald Mataré

25 JAHRE REMMERT UND BARTH
1980 − 2005

Ausgewählte Werke